A falta de medio año para su estreno (a finales de abril del 2010) y con más sombras que luces a cerca de su argumento, aparecen tres imágenes nuevas de "Iron Man 2", esperada continuación que vuelve a dirigir Jon Favreau y a protagonizar Robert Downey Jr.
Ya vimos con anterioridad las pintas que luciría Mickey Rourke (Whiplash, el villano de la función), pero ahora es Scarlett Johansson quien se deja ver de manera oficial como la Viuda Negra.
A continuación, las tres fotos recientemente aparecidas en la revista "Entertainment Weekly" (y una más de Rourke).

Que se venda la película con, al menos en España, el cartelito de 'en la línea de "American Pie", "Virgen a los 40" y "Viaje de Pirados"' ya muestra una idea de lo que nos depara "Sex Drive", película creada por los desconocidos Sean Anders y John Morris que es la adaptación de "All the Way" (de un tal Andy Behrens) y que protagonizan Josh Zuckerman, Amanda Crew, Felicia Clark Duke, James Marsden y Seth Green entre otros: por un lado deja patente que quedan todavía muchos que parecen no haber entendido nada de los derroteros por los que circula la comedia actual, ya que "Virgen a los 40" y "American Pie"/"Viaje de Pirados" tienen tanto que ver como "Los Cazafantasmas" y "Ghost"; por otra parte, lo poco a lo que puede aspirar una película cuyos propios creadores se ponen como modelo de ejemplo el cine de Sean William Scott.

La trama gira en torno a Ian Lafferty, de dieciocho años de edad, que emprende un viaje con sus dos mejores amigos, Lance y Felicia, para perder su virginidad con una chica conocida por Internet. Como es de esperar, el viaje se convierte en un conjunto de aventuras y desventuras que lleva al trío protagonista por pueblos Amish, caravanas de rednecks y cuarteles de policía. Sólo con esto ya saltan a la vista las pocas sorpresas que deparará su entramado, y una de las principales losas de "Sex Drive" es precisamente el tedio que supone aguantar sus casi dos horas (o dos horas y diez si se ve su versión Unrated) sabiendo desde los primeros compases cómo acabará todo, o casi.
Así, por enésima vez toca hablar de un guión absolutamente vergonzoso en cuanto a que, salvo en muy contadas ocasiones, ni en la resolución de las situaciones en las que se enfrasca el grupo se observa síntoma alguno de haber querido buscar un mínimo de innovación, por pequeña y timorata que sea.


El otro gran inconveniente de "Sex Drive" reside en lo más importante de una comedia (vamos, casi nada): su humor. Puede que conforme uno se hace mayor empieza a dejar de reírse de los chistes de jóvenes desesperados por echar una cana al aire, capaces de cualquier cosa por ello; quizás los gags pretendidamente subiditos (ojo que usamos penes de plástico en la película, qué malos somos) pero en realidad más inocuos que un capítulo de "Los Lunnis" no se dirijan a los mayores de 18 años.

Sin embargo, y a tenor de lo divertida que resulta para todas las edades "Supersalidos", uno se inclina a pensar que en realidad, "Sex Drive" no es más que un producto hecho por y para mentes calenturientas/cohibidas, o simplemente, para estúpidos del estilo de 'eeeh, tío, esa ha enseñado una teta y ha dicho culo, jojojo'.
Sólo así se explica que sus protagonistas estén tan descaradamente mal caracterizados que no sean más que una versión muy, pero que muy cutre no sólo del grupo de la antes citada "Supersalidos", sino de cualquier sucedáneo de "American Pie" que se (des)precie (baste con ver al hermano del protagonista y compararlo con Stifler).
O que la mayoría de situaciones (pretendidamente) graciosas sean descarados plagios de otras películas anteriores.

En resumidas cuentas, "Sex Drive" es un descarado intento de amontonar cuatro perras a costa del inocente espectador, que irá al cine esperando ver una comedia en la línea de la Revolución Apatow y se quedará con un "American Pie 17", y encima en una sala rodeado de imberbes salidos de encefalograma plano que de buen seguro reirán todas y cada una de las gilipolleces (no hay mejor palabra para definirlas) que se sucedan en pantalla. Y es que la única manera de aguantar hasta el final el visionado de esta aburrida e infantil 'comedia', no queda duda, es apagando previamente cualquier atisbo de actividad cerebral, o aprovecharla repasando la lista de la compra, los planes del verano, o la alineación del Barça. Aun así puedo asegurar que no se perderá ni un ápice del argumento.
3/10 (me he reído en, a lo sumo, tres ocasiones. Lo juro)

Desde hace unos años, Lionsgate Films ha mostrado mucho interés en las de cintas de terror hechas con cuatro duros y con expectativas de convertirse en grandes éxitos sleeper. Su exponente más fructífero, "Saw", deja claras las intenciones de la compañía en relación al género, y es justamente el efecto logrado con la saga del asesino del puzzle lo que siguen buscando una y otra vez con películas como "Alone in the Dark", "Hostel", "Hard Candy", "Los Ojos del Mal" o la que ahora se estrena, "Exorcismo en Connecticut".

Ciertamente, que a estas alturas nos claven la enésima casa encantada con fantasmas malditos y mobiliario que parece tener vida propia no resulta demasiado halagüeño. Tampoco ayuda que su director sea desconocido, ni que sus dos (!!) guionistas vengan de haber escrito "Bones" (vampiros raperos encabezados por Snoop Dogg).
Con tan desalentador panorama a sus espaldas, "Tha Haunting in Connecticut" no tarda en descubrirse como la enésima fotocopia de fotocopia, centrando su argumento en una familia que se muda a una casa -lo suficientemente terrorífica a primera vista como para no entrar ni por asomo- próxima al hospital donde el hijo mayor recibe su tratamiento contra el cáncer. Es justamente éste quien comienza a tener visiones extrañas: gente muerta, escenas del pasado de la casa y demás lindezas por el estilo. Ahora bien, ¿son reales esas experiencias, o son fruto del tratamiento? Apuesto a que no imaginan la respuesta...

Tan previsible como su argumento es, lamentablemente, toda la película en sí. Desde sus localizaciones al maquillaje de los fantasmas, efectos visuales, de sonido o incluso movimientos de cámara; todo en ella supone un batiburrillo, sin ningún tipo de pudor, de centenares de ejemplos anteriores, entre los que destacan "Terror en Amytiville", "El Sexto Sentido" e incluso "El Resplandor".
De hecho, si por algo se mantiene el interés del espectador es por la voluntad de querer descubrir cuándo se dará el cambio, la chispa de originalidad que justifique todo lo visto con anterioridad y logre aterrar mediante un nuevo concepto de terror nunca visto, en vez de intentarlo mediante la repentina subida de decibelios. De nuevo, la respuesta es de fácil intuición (y si no lamento estropear el secreto): nunca. "Exorcismo en Connecticut" no trae consigo ases bajo la manga y ni siquiera se molesta en buscarlos.
En vez de ello, se limita a exprimir la fórmula consabida una y otra vez, plagiando esquemas y subiendo y bajando el estruendoso apartado sonoro (agudos violines incluidos) como si un monitor de constantes vitales llevase la baqueta.
La cosa llega a ser tan exagerada que no sólo se averiguan todos y cada uno de los secretos conforme se presentan, sino que en más de una ocasión el espectador puede incluso realizar una pequeña cuenta atrás antes del inminente susto, anticipándolos sin problemas.

Ahora bien, de todo el desaguisado recién expuesto se descubren un par de motivos que hacen que, pese a todo, "Exorcismo en Connecticut" pueda convertirse en una buena opción de entretenimiento, más disfrutable que muchas otras aberraciones terroríficas vistas recientemente.
La primera razón que justifica la valoración final del comentario es que, por primera vez en mucho tiempo, nos llega una cinta horror-teen comercial que no es un remake.
Podrá ser todo lo previsible que quiera, y haber sido realizada con mayor o menor atino, pero al menos se nos cuenta una historia diferente, inspirada además en hechos reales.
Su segundo valor reside en sus momentos de terror. Porque de acuerdo, la pauta está más vista que el tebeo y el público ya empieza a cansarse de lesiones auditivas, pero aun así, la cantidad de sustos es mucho más elevada de lo acostumbrado, lo cual lleva a que inevitablemente alguno de ellos coja por sorpresa y logre el efecto deseado.
De este modo, Peter Cornwell logra puntualmente buenos momentos en que la tensión (fruto de una aparición repentina o de su reflejo en espejos) se mantiene durante unos minutos, sacándonos de la desidia. Y eso, a día de hoy, ya es decir mucho.

Por todo ello, "Exorcismo en Connecticut" acaba medio satisfaciendo... o por lo menos no indigna tanto al no tener un clásico a sus espaldas que cargarse con un remake. Aunque de manera muy tenue, logra asustar e incluso puede que haga pensar a cerca del tema tratado, según el respeto que se le tengan a los ectoplasmas, invocaciones y espíritus. Además, sale Elias Koteas en plan Padre Carras.
Vamos, que aunque se trate de una película de videoclub, se lleva un aprobado raspado y todos contentos.
5/10

Esto de caer en gracia es cíclico. Todo va como va y el universo se expande y se contrae como una goma de pollo. Y HBO parece ser el epicentro televisivo de dicha tendencia. Tan pronto se la considera hogar de ficciones-delicatessen de la más alta consideración como es tachada de trastero de aburridas pajas mentales para repelentes que se las dan de eruditos.

TAKING CHANCE habla de lo general desde lo particular relatando el viaje postmortem de los soldados caídos en Irak a través de la historia concreta de uno de ellos, Chance Phelps, para ser acogidos sus restos mortales por su familia. Y por el camino se nos retrata al escolta de Phelps, (Kevin Bacon estupendo pese a... ser Kevin Bacon), un hombre que es marine antes que hombre y buen samaritano antes que marine, que se compromete por honor, camaradería gremial y deber militar, pese a nunca haber conocido en vida al joven soldado.
No es raro por ello encontrar en "Taking Chance" una buena dosis de minutos dedicados a mostrar el frío protocolo militar, y la metódica pompa marcial, absurda en contraposición con la visceralidad de los sentimientos que pueden provocar la muerte de un ser conocido.
Esto se nos presenta en la forma de un retrato solemne y ceremonioso, relatado mediante una realización y montaje sobrios, pero a la vez poco virtuosos. De hecho, en algunos momentos tiende hacia el documental en su plasmación de los procedimientos que intervienen en todo el proceso de preparación del cadáver desde que es recuperado del campo hasta que llega a las familias.
Hasta aquí bien. El problema aparece cuando nos damos cuenta de que ni siquiera a través del cable se nos ha mostrado aún una visión realmente cáustica del conflicto en cuestión, y los relatos están aún contaminados de la ciega reverencia al soldado caído, quedándose siempre a medio camino en espíritu crítico (no, "Generation Kill", una de las mejores series de los últimos años tampoco arremetía directamente contra la institución).
"Taking Chance" es, en fin, una especie de road movie física y a la vez emocional de un tipo que necesita reencontrarse consigo mismo para conciliar dos facetas que hasta ese momento le son imposibles de coordinar, la militar y la familiar, para lo cual establece un vínculo afectivo invisible hacia el joven fallecido que le lleva a comprender mucho mejor los entresijos del amor conyugal.
Y pese a que maneja valores tan del gusto yanki como el heroísmo, la patria o el honor, "Taking Chance" resulta un producto bien hecho, que además se deja ver y que para postre acaba resultando bastante emotivo.

Por otro lado, GREY GARDENS es un prototípico melodrama basado en hechos reales, concretamente la historia de las dos Eddie Bouvier Beale, madre e hija (Jessica Lange y Drew Barrymore respectivamente), tía y prima de Jacqueline Kennedy Onassis y de cómo vivieron en un mundo ficticio de lujo y champán, siendo en realidad unas eternas secundarias en la película de la segunda mitad del siglo XX en EEUU. Las Bouvier se sumieron en un ostracismo que confundieron por clase social y se recluyeron al más puerco estilo Diógenes (mapaches comebasura incluidos) en su propio palacio de marfil, la viejuna finca Grey Gardens.
"Grey Gardens"-película funciona a su pesar a medio gas, sobre todo teniendo en cuenta que pretende armar un par de personajes femeninos del calibre de Norma Desmond o de Carole Lombard en "La comedia de la vida", de modo que salta un trampolín pretendiendo caer en la misma piscina que flota William Holden en "El crepúsculo de los Dioses" pero rebota en el bordillo y cae tristemente en una charca tipo "Tostón Familiar de Madre e Hija en el que Encima Una Está Enferma y Cantan Juntas y Todo Eso y Una de Ellas es Susan Sarandon".
Drew Barrymore interpreta pensando en el Emmy, o en el Globo, pero aunque mucho lo intente, no es Kate Winslet y ni mucho menos Bette Davis (no maja, no te vamos a llamar "La Barrymore"). Y Jessica Lange también hace lo que puede. Pone cara y nombre y parece creer que con eso ya vale. Por si acaso se emplasta en el rostro tres kilos de maquillaje sobrante del rodaje de "Monster" y una lentilla de ciega a ver si así. Pero ni con esas.
Y ojo, no es que Barrymore ni Lange (ni tampoco Daniel Baldwin, cada día más Alec-izado) lo hagan mal, es que personajes tan a priori intensos necesitan, por narices, un plus interpretativo que ninguno de ellos ofrece.

Está bien. No seamos tan destructivos y veamos algunos puntos interesantes, que también los tiene. Como buena "HBO Film" que se precie, la reconstrucción de la época es impecable, y el ambiente que propone es elegante y decadente a partes iguales. Yo personalmente me trago ese Nueva York de los años 30 y casi me parece saborear la mierda de la Grey Gardens de los 70.
Y los personajes resultan a pesar de sus tibias interpretaciones bastante atrayentes, sobre todo teniendo en cuenta que son -fueron- reales, y convence el juego de espejos que se propone a través de ellos: las Bouvier son protagonistas de un documental sobre su vida que realmente existe (rodado en 1975 y de nombre igualmente "Grey Gardens") y que se nos muestra a lo largo de la película mediante continuos saltos temporales (de los años 30 -juventud- a los 60 -decadencia- y de ahí a los 70 -rodaje del documental-) y que sirve como catalizador para el personaje de Barrymore, cuya espina clavada siempre fue no pasear por la alfombra roja.

Balance algo negativo, pues, hasta que sin saber muy bien cómo, y exactamente igual que pasa con "Taking Chance", nos damos cuenta de que la cosa se pone emotiva y al final llega a emocionarnos y de que sentimos cierta pena, o simpatía quizá, por tan patéticos personajes.
Estimados señores de la HBO, les tenía por gente más seria y sesuda, y desde luego no sabía que pudieran llegar a manipular nuestros sentimientos más vergonzosamente escondidos de manera tan facilona.

¿Lo bueno de todo esto?, que al final nos da igual que productos como "Taking Chance" y "Grey Gardens" no hayan satisfecho nuestras expectativas, que "True Blood" haya vuelto algo discreta, que "Hung" de momento no nos haya contado nada. Porque el HBOmundo nos trae esta semana dos noticiones de agarrarse y no menearse: va a caer adaptación de 10 episodios "Middlesex" y... ¡esta noche vuelve "Entourage"!
Adiós a nuestras penas.

Prácticamente un año después de su estreno en el Reino Unido y los Estados Unidos, llega a nuestras carteleras "How to Lose Friends and Alienate People", "Nueva York para Principiantes" según la traducción española.

Protagonizada por Simon Pegg, Kirsten Dunst, Megan Fox y Jeff Bridges, esta comedia británica supone el debut en la gran pantalla de Robert B. Weide (director de varios episodios de "Curb Your Enthusiasm"), y adapta las memorias del periodista inglés Toby Young en su periplo por América de la mano de la revista "Vanity Fair", una de las más prestigiosas del mundo (y que es el equivalente a "Sharps" en la ficción).
Así, la película arranca en tierras británicas, donde vemos a un reportero del corazón (Pegg) en sus intentos por colarse entre la jet set y sacar alguna exclusiva. Su ímpetu no tarda en despertar el interés de Clayton (Bridgess), director de "Sharps" que no duda en ofrecerle un trabajo en Nueva York. Lamentablemente, ese sueño hecho realidad se convierte en una pesadilla, en especial cuando una actriz de éxito (Fox) entra en su vida...

Ciertamente, "Nueva York para Principiantes" no pasará a la historia por ser la revolución de la comedia -de hecho no pasará a la historia, a secas- pero aun así cuentas con los alicientes suficientes como para convertirse en una opción tan perfectamente válida como cualquier otra, a saber: comedia con líos amorosos de por medio, gags para todos los gustos y reparto lo suficientemente atractivo con reclamo estrella incluido. Por ello, un servidor no entiende por qué se ha tardado un año en estrenarla por aquí, y que además se haya elegido un periodo tan plagado de comedias, mermando enormemente las posibilidades comerciales de una película, la verdad, bastante digna.


Porque aun cargado de convencionalismos y con una resolución más bien previsible (¿y qué comedia no es así hoy en día?), el trabajo de Weide se convierte contra todo pronóstico en un agradable y ligero entretenimiento gracias a numerosos engranajes que cumplen a la perfección con sus obligaciones.
De entrada, su reparto perfectamente medido y equilibrado sirve para darle a la cinta un aroma distintivo propio del cine non-USA. Rehuyendo de falsos feos y forzados maquillajes, la elección de actores y caracterización de personajes se antoja sumamente estudiada y otorga un plus de credibilidad al conjunto. Así, la diferencia social (clasista) queda patente entre la desgarbada naturalidad y/o fragilidad de Pegg y Dunst -meros currantes de las bajas esferas muy cercanos al espectador normal y corriente-, la forzada artificiosidad de Gillian Anderson y Danny Huston, y los jugadores de primera división: Megan Fox, diva hollywoodiense de etérea presencia, epatante belleza y soberana estupidez, y Jeff Bridges, jefazo yuppie de (des)cuidado aspecto, antiguo rebelde reconvertido y añorante de tiempos mejores.
Todo ello no es sino la prueba de lo cuidados que están cada uno de ellos, tratados con la suficiente maña como para mostrar pinceladas de fuerte personalidad dentro de su encasillamiento. Algo a lo que ayudan cada una de sus respectivas interpretaciones. El reconvertido Simon Pegg (atrás quedan los tiempos de "Spaced" y "Zombies Party") saca petróleo de su personaje incluso en los gags más desafortunados, mientras que Kirsten Dunst se antoja como el contrapeso perfecto a sus extravagancias; de Jeff Bridges, como diría aquél, no hace falta decir nada más, y Megan Fox se mantiene en su línea de guapa-tonta, interpretando perfectamente su papel pero llevando al espectador a preguntarse si es que realmente la chica no da para más. ¿Saldremos de dudas con "Jennifer's Body"?

Reencauzando el discurso, la esquematización y previsibilidad general parecen hasta tener cierto sentido, ya que "Nueva York para Principiantes" desprende un fuerte aroma a cine clásico, aquél en el que las Actrices (así, en mayúscula) eran veneradas por sus directores, lo sensual estaba a la orden del día, la comedia no ofendía y se bailaba a ritmo de "La Dolce Vita". Algo a lo que se aferra con devoción el director, realizando secuencias totalmente intemporales (o anticuadas sin más) como pueden ser la presentación de Sophie Maes atravesando una piscina, o el baile en el apartamento visto desde la ventana.


Todo ello se acompaña por humor de diversa tonalidad pero por lo general fino y distinguido, lo cual siempre viene bien en estos tiempos que corren de pipicaca, en el que precisamente lo que más desentona son los gags más salidos de madre, afortunadamente muy limitados.

Así las cosas, "Nueva York para Principiantes" es una comedia totalmente intrascendente y olvidable que sin embargo funciona tanto por su buen gusto en general, como por su alma de parodia y retrato de la alta sociedad (y alto periodismo), en un estilo que en más de una ocasión recuerda a la serie (de obligada visión) "Entourage".
No apasionará a nadie, pero su agradable argumento y logradas ocurrencias tampoco molestarán y harán pasar un buen rato, sin demasiado azúcar ni pimienta. Eso sí, se echa en falta algo más de mala leche contra la prensa rosa aunque, obviamente, la presencia casi testimonial de Megan Fox compensa haciendo las delicias de todo joven (y no tan joven) libidinoso que se precie.

Último apunte destinado a los más freakys: atención a los cameos de algunos miembros de la serie "The IT Crowd"...
6/10

Ya se sabe que con los remakes debe andarse con sumo cuidado, temiéndose lo peor y por tanto preparándose para ello.
Tal vez por eso, a la que se anuncia una nueva versión de cualquier película de terror uno ya baja automáticamente las expectativas y las ajusta al nivel de, por ejemplo, "The Eye (Visiones)" o "Presencias Extrañas": sólo con que lo que se vaya a ver esté un par de puntos por encima de ellas (lo cual no debiera ser tan difícil) ya se puede hablar de película cumplidora.
Y "La Última Casa a la Izquierda" lo está.

Ojo, no lancemos campanas al vuelo todavía. Esta revisión del brutal debut de Wes Craven no es el nuevo "Las Colinas Tienen Ojos", el tal Dennis Iliadis está a años luz de Alexandre Aja, y por lo general la película sufre de muchas de las penurias propias de su condición de remake comercial.
Para empezar, los antagonistas han dejado de ser el grupo de sucios y sudorosos jóvenes -capitaneados por David Hess- para convertirse en una familia de atractivos degenerados absolutamente caricaturesca y, por consiguiente, falta de toda credibilidad. Eso implica que si en la versión de 1972 (recordemos que "La Última Casa a la Izquierda" se estrenó antes que "La Matanza de Texas") el miedo provenía de la verosimilitud de esos jóvenes, normales y corrientes aunque tocados del ala por las influencias de la cultura generacional, en la del 2009 tales sensaciones desaparecen al conocer a estas personificaciones de la maldad en plan "Los Renegados del Diablo", una especie de superhéroes satánicos desde los primeros -y risibles- minutos.
Con sus bíceps dorados, perillas milimétricas, ojazos claros y tetas turgentes (y muy visibles), la familia parece cometer fechorías como si de un trabajo remunerado se tratara, y no abren ninguna posibilidad a ser vistos como algo más, a diferencia de Hess y compañía, quienes acojonaban porque hacían el mal porque sí, como divertimento.
Además, en esta ocasión los malhechores cometen un error de bulto que sirve para desvirtuar totalmente el sentido de la idea original y para endulzar el entramado, justificando -para los ojos del joven público a quien se dirige la cinta- los actos de la pareja de padres protagonista, que casi parece que busquen su protección en vez de venganza, pura y llana. Y aunque el trailer ya desenmascara la monumental cagada, hasta aquí puedo leer.


Así las cosas, ya tenemos gran parte de los ingredientes necesarios para adaptar una película de culto de hace un par de décadas a nuestros puritanos días: violencia desvirtuada, corrección moral y reclamos sexys en pantalla.
Súmese a la fiesta una dirección pulcra con fotografía preciosista, apartado de sonido efectista, actores medio conocidos (entre los que destacan Garret Dillahunt, Aaron Paul, Monica Potter y Tony Goldwyn) y la fórmula está lista para servir.

Ahora bien, en este charco de convencionalismo (y consiguiente decepción, al menos para el que conozca la versión original) "La Última Casa a la Izquierda" guarda un par de sorpresas que merece la pena resaltar.
Ante todo, destaca la labor de su desconocido director, que con una cámara temblorosa y haciendo uso de planos cuidadosamente 'desencuadrados' provoca cierta sensación de incomodidad en los momentos álgidos de la película, como si se tratara de los ojos de un espectador indeciso entre los deseos de observar y los remordimientos por no apartar la vista. Esta elección artística le va como anillo al dedo a la principal y prácticamente única virtud real del film: su apuesta por la crueldad explícita.
Aceptada la total desaparición de la violencia conceptual que contenía la versión original, "La Última Casa a la Izquierda" nueva opta por una violencia visual rara vez vista en esta clase de producciones, con un par de momentos exageradamente suculentos y más bien durillos para los ojos de cualquier mortal.
Sin ánimo de desvelar más de lo necesario, usaré como botones de muestra la secuencia del acoso a las dos niñas y el primer ataque de los padres de una de ellas, que incluye uno de esos fregaderos con aspas para destrozar basura...


Si bien a este respecto cabría reprocharle cierta descompensación que desemboca en cierta precipitación hacia el final, lo cierto es que se agradece algo de ensañamiento explícito en pantalla, cuanto más gratuito mejor, algo de lo que parecen no dudar sus creadores. De hecho, ese término puede aplicarse a prácticamente todo lo que ocurre en pantalla, desde el nado en ropa interior a los destetes de la fémina del grupo de malosos, uno más injustificado que el otro.

Así las cosas, sin ser una gran película, ofrecer nada nuevo ni respetar a la película original, "La Última Casa a la Izquierda" se convierte en un producto apreciable por su falta de sentido (si uno se para a pensar en ella es de lo más risible) y su excesiva y más que bienvenida violencia en pantalla. Esto último es lo que genera los mejores momentos de todo el metraje, incluyendo su soberbio epílogo, una broma que muy pocos sabrán apreciar y que sin embargo es el único punto en el que puede encontrarse alguna relación conceptual con la original. Y al que no le guste, que no mire.
6/10

De entrada, a todos aquellos que alguna vez hemos tenido sueños húmedos vinculados a la creación de películas "Paintball" debería caernos en gracia: director y guionista noveles logran llamar la atención de un gran estudio como es Filmax, se hacen con un reparto prácticamente desconocido y se van a rodar al Parc de Collserola (Barcelona) una película en inglés sobre el deporte que da nombre al título y que mezcla terror, guerra, acción y más palabras malsonantes que Quentin Tarantino en estado de gracia.
Por si fuera poco, recibe una promoción notable tanto a nivel nacional como internacional (pasando por el festival de Tribeca), y su director goza de plena libertad para darle la forma que más le plazca. Propuestas así merecen el apoyo de todo aficionado... pero ay, madre, qué difícil nos lo ponen a veces.

Ciertamente, la idea principal de "Paintball", que centra el interés de la primera mitad de la película, no deja de resultar apetecible pese a no albergar demasiada sorpresa debido a su desgaste. Que en un ¿inocente? juego donde se simula una guerra aparezcan armas de verdad tiene suficiente potencial para gustar, y si a ello se le añade una peligro invisible, siempre presente pero nunca expuesto, ya hay motivos más que de sobra para que el espectador se interese por el típico grupo multiétnico y quiera saber cómo se las apaña para sobrevivir (o morir de la manera más dolorosa posible, allá cada uno).
A todas estas, su joven director, Daniel Benmayor, parece haber sido un estudiante destacado en esto de hacer cine, y lo demuestra aplicando esa norma tácita que dice que la mejor manera de hacer partícipe al espectador -en una película de estas características- es mediante el uso de cámara en mano, rodando en plan documental y alargando secuencias.
El resultado de todo ello son unos primeros minutos sumamente halagüeños donde, a caballo entre "Salvar al Soldado Ryan" y "Battle Royale", "Paintball" parece que dará lo prometido: un producto de sofisticada serie B, de mucha acción y toques de terror, con la curiosidad por saber qué estará pasando aunque sin que haya que preocuparse demasiado por prestarle atención.
Lamentablemente, tales vibraciones no tardan en caer en saco roto.

Ignoro si la virtud de ese primer tramo reside en que nadie parece tomarse excesivamente en serio a sí mismo, con personajes dibujados a trazos gruesos, hilarantes diálogos (del estilo de "Fuck you, fucker... fuck!"), dirección entre el homejane-plagio y la burla y constantes referencias entre las que se encuentran, además de las recientemente citadas, "Dog Soldiers", "The Descent", "Aliens", "Depredador", "Starship Troopers" y un largo etcétera. Lo cierto es que la suma de estos ingredientes hace que el espectador no sepa si se encuentra ante un producto serio o una gran broma la mar de cachonda, y mientras se sigue por estos derroteros es cuando mejor funciona la película.


El problema es que ni Benmayor ni Mario Schoendorff (el guionista) son capaces de mantener oculto al enemigo y no tardan en mostrarlo, de manera gradual pero no por ello menos precipitada, hundiéndose más y más en la miseria a medida que se van desvelando todos los secretos que lo rodean.
Como suele suceder en muchos de los videojuegos shoot 'em up actuales, a un punto de partida plausible se corresponde un devenir absolutamente demencial y aquí (ojo, que viene un posible SPOILER) la cosa se transforma en una especie de mix barato entre "Martyrs" y "Hostel" absolutamente desalentador (Fin del SPOILER).

Así las cosas, el interés no tarda en desaparecer por completo y de un estado anímico relativamente activo se pasa a la total apatía, a la espera de ver cómo morirá el siguiente protagonista y cuánto sufrirá.
¿Y es que no es a eso a lo que hay que atenerse cuando una película falla en todo lo demás?
Si se le pregunta a Benmayor, seguramente diga que no: sin necesidad alguna por mucha justificación (gratuita y ridícula, por supuesto) que se le dé al final de la cinta, todo conato de violencia visual explícita queda censurado al pasarse a través de una visión térmica que lo convierte todo en diferentes tonalidades de gris. Así, poco importa la originalidad con que van teniendo lugar los asesinatos, la sensación de coitus interruptus permanece inamovible y acaba por echar por tierra toda esperanza restante.

Tan sólo en sus últimos minutos, cuando todo el pescado está vendido y lo único que queda por saber es si acabará bien o mal para nuestros héroes (los que quedan, al menos), el espectador puede encontrar un punto de empatía con "Paintball", máxime gracias a las varias interpretaciones que pueden surgir de la última, ultimísima escena.
Lamentablemente, mucho me temo que lo único que despertará dicha conclusión será una gran risotada o resoplido, pues de aquellos primeros compases tan prometedores, con aquel magnífico ataque inicial, tan sólo quedan las palabrotas. Y es que, a buen seguro, "Paintball" hará historia por convertirse en una de las películas con mayor empleo del término fuck por segundo. Para todo lo demás, mejor será que vayamos nosotros mismos a montaros nuestras películas en los campos de paintball más cercanos...
3,5/10

En 1979, una de las series más históricas de la televisión hacía su debut en la gran pantalla de la mano de Robert Wise y con su reparto original. Daba comienzo así la relación entre el universo "Star Trek" y el cine, el gran salto cualitativo que ensalzaba a la serie a la categoría de mito absoluto y que durante años ha seguido poblando pantallas y estanterías, hasta llegar a su reciente reboot conceptual (en la que supone la entrega número 11 de la saga). Y vaya casualidad, a cargo del creador de la serie más trascendental e histórica del momento.
Que el visionado de la película de Wise haga aún mejor al "Star Trek" de J.J. Abrams queda patente en las numerosas referencias que éste le dedica tanto a nivel argumental como, y sobre todo, visual, ya sea manteniéndolas o dándoles la vuelta para renovarlas o darles otra variante argumental. Del mismo modo, la primera gana enteros una vez visto su pseudoremake, sobresaliendo en sus momentos y situaciones más inolvidables bien sea por su encanto naíf o por la mera potencial visual de sus secuencias, y demostrando que su entramado principal aún puede resultar muy válido a día de hoy (salvando las distancias obvias que suponen sus 30 años de distancia). Sea como sea, el caso es que se aconseja el visionado de ambas películas en un periodo de tiempo que las mantenga lo suficientemente frescas.


"Star Trek: La Película" (A.K.A. "Star Trek: La Conquista del Espacio") arranca inmediatamente después de lo que, supongo, fue el final de una etapa televisiva. Debido a la aparición de una amenaza espacial (un ente de energía que de buenas a primeras acaba con tres naves Klingon), Kirk, Spock, McCoy y compañía se reúnen una vez más en su remodelada Enterprise para combatirla y salvaguardar a la humanidad.
Al compás de la partitura original (en una banda sonora que le valió una nominación a los Oscar(1)) se hilvana una aventura tan trepidante como atípica donde se alternan momentos de enormes proporciones de tensión magníficamente llevada con otros más pausados y livianos centrados en la exploración, tanto de la amenaza como de los personajes.
Muchos de los detractores de lo trekkie (entre los que confieso haberme incluido hasta ahora) se justifican afirmando que se trata de un producto de espíritu excesivamente pedante y contemplativo (léase diferente a lo acostumbrado), y ciertamente la película que nos ocupa mantiene esa seña de personalidad religiosamente.
A lo largo de sus más de dos horas, el recién mencionado mixto de tempos hace de "Star Trek: The Motion Picture" un conjunto difícil y muy alejado de su inmediata rival, la saga estelar (posteriormente mancillada) de George Lucas. Y es que si bien su argumento puede resultar realmente simple a todas luces, Wise huye de efectismos y eclosiones de acción pura y dura, reniega de grandes batallas y explosiones, y en su lugar opta por un ritmo sosegado pero inquietante en que sin ir más lejos, la amenaza enemiga no es sino una versión aligerada de la estrella Solaris.
Ahora bien, ello no quita que la espectacularidad brille por su ausencia, más bien adopta otra vestimenta ya sea desde la brillantez de alguno de sus momentos (la quebradura de un Spock sobrepasado por los acontecimientos, el clímax) o por la simple belleza onírica de sus secuencias, con especial hincapié en la larguísima presentación de la Enterprise, una carta de amor al más puro estilo Kubrick que el nuevo "Star Trek" no duda en reconocer y homenajear.

Huelga decir, sin embargo, que el verdadero peso de todo el conjunto recae sobre el grupo protagónico, lo suficientemente complejo y personal como para aguantar dicha carga y suponer lo mejor de una película que no es más que, en el fondo, una fiesta de reencuentros cargada de guiños y homenajes.
Cada uno de sus personajes resulta inolvidable a su manera, y lo que más tarda en desaparecer de la memoria del espectador acaban siendo sus numerosos encuentros, todo un derroche de vitalidad, inmortalidad, personalidad y buen rollo.

Lejos de ser, obviamente, la obra maestra definitiva de la ciencia-ficción, "Star Trek: La Película" supone un divertimento en clave trekkie que seguramente habrá hecho las delicias de todo aficionado. Sin embargo, su mejor baza reside en que para aquellos que quieran introducirse poco a poco en su peculiar universo -a raíz de las grandes sensaciones de la película de J.J. Abrams- pueden empezar tranquilamente por ella (aun a sabiendas de que se deriva de la conclusión de la serie), al ser una reivindicable muestra del potencial de Spock y los demás tienen. Muy entretenida, encantadora y distinta a lo acostumbrado.
7/10

(1) En total fueron tres nominaciones: Dirección Artística, Efectos Especiales y Banda Sonora

Del 2 al 12 de octubre tendrá lugar la 42ª edición del festival de Sitges, que este año se llamará Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, y esta misma mañana ha tenido lugar la rueda de prensa en que su director, Ángel Sala, ha dado un pequeño adelanto de lo que proyectarán las salas del Retiro, Prado y Auditori.

Como el propio cartel del festival avanza, la cinta homenajeada este año será Alien con motivo de su treinta aniversario, y por ello se proyectará la versión original estrenada en cines en 1979 -la favorita de Ridley Scott, según parece- y se contará con la presencia de algún miembro del equipo técnico y/o artístico para presentaciones y post-screenings varios.
Con Alien como excusa, el festival proyectará una serie de flashes del los 80, con cintas como la edición extendida de El Resplandor, Pesadilla en Elm Street, y otras que de momento no han sido confirmadas ya que, según el propio Sala, se sumarán a la cartelera en función de la posibilidad de contar con la presencia de alguno de sus participantes. Por poner un ejemplo, si el año pasado ya se anunciaba la proyección de "Los Cazafantasmas", a día de hoy la cinta de Ivan Reitman aún está a la espera de poder contar con director, actores, productores o guionistas.

Pero la noticia la protagoniza la película de inauguración del festival, y es que una vez más Sitges volverá a teñirse de rojo de la mano de Paco Plaza y Jaume Balagueró, que estrenarán en primicia la esperadísima [Rec]2.

Será el pistoletazo de salida a un festival que promete superar al de la edición anterior tanto a nivel de contenido como de organización. Ángel Sala confía en que no se repitan los incidentes que se dieron a las puertas de las salas debido a las inesperadas medidas de seguridad de las compañías distribuidoras (no olvidemos que obligaron a cancelar el pase matinal de "Repo! The Genetic Opera") por lo que los espectadores serán avisados con tiempo sobre posibles cacheos de última hora, y la organización comenzará con dichas medidas con algo más de antelación.

Sobre el resto de secciones y películas que se incluirán en ellos de momento no se sabe demasiado, aunque ya hay varias películas destacables, que a continuación pasamos a desglosar.
Secció Oficial Fantàstic:
Thrist: Película sobre vampiros que ha causado gran revuelo en Cannes, de la mano del siempre controvertido Park Chan-wook;
Grace: La mejor muestra de cine de terror independiente americano que pudo verse en Sundance;
Yatterman: La adaptación a cargo de Takashi Miike del cómic homónimo;
Crows II: Secuela de "Crows Zero", también de Miike, y que estará fuera de competición;
Kinatay: Brillante Mendoza fue premiado con el galardón a mejor director en Cannes gracias a esta película de terror hiperrealista de la que el propio Sala ha dicho que "Martyrs" ha su lado parecerá un juego de niños;
Kynodontas: Cinta griega, que se llevó el Un Certain Regard en Cannes, de un Giorgios Lanthimos a quien comparan con Haneke y Von Trier. Según parece, sus últimos 20 minutos se anojan insoportables hasta para el más curtido;
Musashi: Animé japonés a cargo de Mizuho Nishikubo;
Surrogates: Jonathan Mostow dirige, Bruce Willis actúa, y unos robots quieren dominar el mundo;
Moon: La esperada ópera prima del hijo de David Bowie con Sam Rockwell en el rol principal. Quienes la han visto dicen que es de lo mejor del año, y no sólo en el género de la ciencia-ficción;
Orphan: Producción USA que dirige Jaume Collet-Serra ("La Casa de la Cera");
Ingrid: Eduard Contés presenta una película candidata a convertirse en el culto europeo del año;
The Countess: Julie Deply dirige, escribe y protagoniza (junto a William Hurt y Daniel Brühl) esta historia sobre la Condesa Sangrienta (a.k.a. la Condesa Drácula);
Ne te Retourne Pas: Lo nuevo de Monica Bellucci y Sophie Marceau, sobre fotografías que alteran la realidad, o viceversa;
Metropia: Segunda cinta de animación fuera de la sección Anima't, de ciencia-ficción y en blanco y negro.

Anima't:
Lascars: El único título confirmado hasta el momento es la película más taquillera del año en Francia.

Noves Visions:
Van Diemen's Land: Película a cargo de Jonathan Auf Der Heide, sobre el convicto más importante de la historia de Australia;
The Forbidden Door: Cine de género de origen indonesio del que hablan maravillas;
Bronson: Docudrama británico sobre un asesino lo suficientemente conocido por todos.

Orient Express:
Goemon: Kazuaki Kiriya dirige una historia de acción con tintes épicos;
Ip Man: Cinta de artes marciales de corte clásico dirigida por Wilson Yip y protagonizada por el experto Donnie Yen.

Seven Chances:
Youth Without Youth: El festival recupera el trabajo de Francis Ford Coppola que jamás llegamos a ver por aquí, de argumento parecido a la epopeya de Benjamin Button;
La Maison Nucingen: Roul Ruiz vuelve a Sitges en plena forma.

Midnight X-Treme:
Best Worst Movie: "Troll 2" fue la peor película de la historia según dicen, y esta película se basa en su carrera comercial;
Dead Snow: Zombies nazis noruegos: ¿quién da más?...
Lesbian Vampire Killers: ...pues he aquí la respuesta;
Black Dynamite: Blaxploitation actual;
Smash Cut: El retorno de Herschell Gordon Lewis, a quien le debemos prácticamente el nacimiento del gore.

Además de todo ello, Sitges quiere rendir un especial homenaje a "los otros fantásticos", directores españoles que aunque no se hayan especializado en el género, han llegado tocarlo mediante películas realmente notables. Así, durante el festival podrá verse una decena de cintas como La Casa sin Fronteras (Pedro Olea), El Perro (Antonio Isasi-Isasmendi), Las Crueles (Vicente Aranda) o El Espíritu de la Colmena (Víctor Erice), y se intentará contar con alguno de los miembros de su reparto técnico/artístico.

Tampoco puede pasarse por alto la presencia del 3D: entre las películas que podrán verse en este novedoso sistema, de momento ya se han confirmado The Final Destination (cuarta entrega de la saga) y Toy Story 3D, que será la edición renovada de la primera obra maestra de Pixar.

Por último, Clive Barker será el protagonista de una noche loca en la que serendirá el homenaje que se merece el creador de "Hellraiser", y se proyectarán tanto Dread como Book of Blood.

Como siempre, entre película y película se llevarán a cabo diversas actividades paralelas, con mención especial para un debate sobre la relación Cine-Videojuego, además de la ya clásica presencia del Brigadoon, que este año se centrará en las secuelas no oficiales de cintas de éxito y en el cine de Bollywood, y además le entregará el Premio Nosferatu a Jack Taylor por toda su carrera.
Y en este apartado cabe incluir la segunda edición del Zombie Walk, que debido al éxito de la anterior, se repetirá con motivo del 30 aniversario del estreno en Sitges de "Nueva York Bajo el Terror de los Zombies".

De momento, eso es todo...

Increíble pero cierto, por fin se estrena una comedia-comercial-joven-española (¡uf!) que no insulta al espectador ni ofende su inteligencia.
Con los premios de público y crítica del pasado festival de Málaga bajo el brazo, "Pagafantas" es la carta de presentación del televisivo ("Vaya Semanita", "Territorio Champiñón") director Borja Cobeaga, para la que cuenta con Gorka Otxoa y Sabrina Garciarena, también salidos de la pequeña pantalla, en los papeles protagónicos. El argumento es tan simple como tristemente realista: un tipo más bien feote se enamora perdidamente de una chica que, sin embargo, sólo le ve como su mejor amigo. Y para más información sobre el pagafantismo búsquese por Youtube, que es donde se originó este término.

Vaya por delante que una cosa no quita la otra y que resulta algo exagerado tanto premio y alabanza, siendo como es una comedia más bien simplona y tirando a previsible.
Pero si por algo sobresale "Pagafantas" es justamente por ser perfectamente consciente de sus límites en todo momento, y no pretende abarcar nada ni a nadie más allá de ellos. Lo que se consigue así es un cinta siempre compacta y regular compuesta por un humor sano y elegante, evitando fugas cerebrales o denigrantes gags testiculares, y (¡sorpresa!) sin enseñar un sólo desnudo pese a contar con la actriz televisiva joven y deseada de turno.
En otras palabras, Cobeaga y compañía saben que buena parte de su público irá al cine buscando 'algo más', y no por nada su marketing se ha centrado en los premios obtenidos y en la presencia de Julián López y Ernesto Sevilla -además de Otxoa-, secundarios de lujo que ejemplifican la categoría a la que pertenece "Pagafantas".


Y es que de hecho, su humor se acerca, salvando mucho las distancias, al propuesto por "Vaya Semanita" (y sucedáneos) o "Muchachada Nui" (y predecesores): siempre y ante todo con el buen gusto por delante, se trata de una comicidad simple y directa, basada en diálogos surgidos de la cotidianidad más natural -e interpretados de igual manera- pero con algo a caballo entre lo granguiñolesco, lo castizo y lo penoso de sus personajes.
Con gran acierto (algo sorprendente habida cuenta del desastroso reméic de "SNL") Gorca Otxoa hace de su pagafantas un personaje muy natural e improvisado, recreando de manera sumamente verídica y desdichada el triste día a día de su vida bajo la sombra de su gran e imposible amor.
A su lado, el resto de actores también campa a sus anchas con sus respectivos roles, con mención especial para la madre del protagonista (Kiti Manver, "Los Abrazos Rotos"), el leslienielsenizado tío Jaime (Óscar Ladoire, "Carreteras Secundarias") y Rubén (el muchacho Julián López), y siendo justamente la partenaire femenina la que queda un punto más en evidencia.


En cuanto a la relativa previsibilidad a la que aludíamos al principio del comentario, debe reconocerse que si bien toda la película sigue un patrón de corte muy clásico e inofensivo, en alguna que otra ocasión el guión toma un giro algo inesperado volteando la situación, refrescándola, y haciendo que el interés se mantenga prácticamente intacto a lo largo de sus (y ahí va otro punto positivo) 80 minutos de nada.
Sin embargo, no menos cierto es que tan manido esquema puede suponer una losa para parte del público, y de hecho es justamente su falta de riesgo el principal motivo de queja para todo el que quiera ensañarse con esta ópera prima.

Así las cosas, "Pagafantas" podrá gustar y divertir más o menos, pero no se le puede negar algo que parecía olvidado en todo lo español y comercial, y es que por primera vez puede disfrutarse de una comedia dirigida a un público mayoritario sin pasar por lo soez y lo barriobajero. Es más, incluso podría definirse de (ejem) un humor inteligente, pues queriendo pueden sacarse algunas lecturas secundarias que ahora no tienen cabida.
Vamos, que sin ser ninguna maravilla, "Pagafantas" es tan válida como cualquier otra comedia americana e incluso mejor que muchas de ellas (de las española(da)s taquilleras recientes mejor no hablo) y de hecho, ésta sí puede verse de principio a fin sin abandonar la sala a los 10 minutos o pasar la película a doble velocidad. Se puede ver aunque sea entonando el mea culpa.
6/10 (Y a mí que no me jodan: casi todos los presentes en la sala se han reído)